Ort: Martinskirche Basel (13.11.) / Katholische Kirche Gelterkinden (14.11.)

Mitwirkende:

• Konzertchor Oberbaselbiet
• Akademisches Orchester Basel

Programm:

• Niels W. Gade (1817-1890): Erlkönigs Tochter, op. 30
• Edvard Grieg (1843-1909): aus der Bühnenmusik zu Peer Gynt op. 23

Tickets:

• ab 9. August 2010 bei kulturticket.ch und den bekannten Vorverkaufsstellen

Ort: Kommanderie Rheinfelden / Bei schlechter Witterung findet das Konzert in der röm.-kath. Kirche Rheinfelden statt.

Leitung:

Raphael Immoos

Programm:

• Franz Schubert: Schauspielmusik zu “Die Zauberharfe” (Rosamunde)
• Edvard Grieg: Hochzeit auf Troldhaugen, aus “Lyrische Suite” op.65, Nr. 6
• Jacques Offenbach: “Barcarole” aus Hoffmanns Erzählungen
• Johann Strauss: Tritsch-Tratsch-Polka
• Franz Strauss: Rondino à la chasse (Hornquartett)
• Friedrich Dionys Weber: Adagio sostenuto (Hornquartett)
• Johann Strauss: Kaiserwalzer, op. 437
• Franz Schubert: Militärmarsch D-Dur

Tickets:

• online bei kulturticket.ch
• bei allen Kulturticket-Vorverkaufsstellen (siehe “Tickets“)
• bei Tourismus Rheinfelden

Lageplan:

Programm

1. O. Respighi aus ‘Quintetto a Fiati’    • Allegro • Andante con Variationi
2. G. Puccini, Tre Minuetti    • Moderato • Allegretto • Assai mosso
3. O. Respighi aus ‘Ancient Airs and Dances’    • “Il Conte Orlando” • Villanella
4. A. Vivaldi, Concerto in A minore    • Presto
5    G. Briccialdi aus Quintetto Op. 132    • Allegretto • Andante sostenuto
6. Philip R. Buttall: The Lone Ar-Ranger! • Allegro
Flöte: Annette Wullimann
Oboe: Matthias Guex
Klarinette: Walter Christen
Horn: Dominik Bänninger
Fagott: Corina Christen
Eintritt frei – Kollekte
Ottorino Respighi (1879-1936) war der Sohn eines Klavierlehrers und erhielt als Kind Violin- und Klavierunterricht. Nach seinem Abschluss am Liceo musicale in Bologna hatte er eine kurze Anstellung als Bratschist im Orchester der Stadt Bologna und nahm dann nach 1900 ein Engagement an die Opera Italiana im Theater in Sankt Petersburg an. Dort begegnete er Nikolai Rimski-Korsakow, bei dem er einige Kompositions- stunden nahm und dessen farbige Orchesterbehandlung ihn stark beeinflusste.
Giacomo Puccini (1858-1924) war ein italienischer Komponist des Fin de Siècle. Sein künstlerisches Schaffen erstreckte sich von 1884 bis 1924. In diesen vierzig Jahren entstanden zwölf Opern. Der enorme Erfolg der Werke Puccinis, der noch zu Lebzeiten des Komponisten begann, hält bis in unsere Tage an. Die Grabstätte von Puccini und seiner Frau befindet sich in seinem Haus in Torre del Lago.
Antonio Vivaldi (1678-1741) Von den fast 500 Konzerten Vivaldis sind über 241 für Violine als Soloinstrument geschrieben. An zweiter Stelle folgen 39 Fagottkonzerte. Die anderen Concerti sind für verschiedene Holzblasinstrumente, wenige für Violoncello, aber auch für ausgefallene Instrumente wie Viola d’amore oder Mandoline. Vivaldi brachte das Solokonzert als eine Hauptform des Hochbarocks auf.
Giulio Briccialdi (1818-1881) war ein Flötenvirtuose. Sein Quintett op.132 erweckt nicht zufällig Assoziationen zur italienischen Oper: anstatt Geistlicher zu werden, wie es seine Familie wünschte, setzte er sich der in Terni (Italien) geborene Briccialdi als Zwanzigjähriger nach Rom ab und verdiente zunächst seinen Lebensunterhalt in einem Opernorchester. Er wurde ein begehrter Solist und bereiste ganz Europa und Amerika.
Philip R. Buttall lebt und wirkt als Komponist, Arrangeur und Jazz-Pianist in Plymouth UK.
Viva-Quintett
Das Viva Quintetts wurde 1999 aus Freude an der Kammermusik gegründet. Das Repertoire des Quintetts umfasst Werke aus der Zeitspanne vom 18. Jahrhundert, der Entstehungszeit dieser Gattung, bis in die Gegenwart. Gespielt werden neben Originalliteratur auch Bearbeitungen anderer Werke für diese Besetzung. Die Stilrichtungen reichen von ‘ernster’ Klassik bis hin zur ‘leichten’ Unterhaltung. Im Jahr 2009 konnte das Viva-Quintett 10-jähriges Bestehen sowie das 50. Konzert feiern.

Ort: Martinskirche Basel (Samstag) / Kultur- und Kongresshaus Aarau (Sonntag)

Mitwirkende:

• Gemischter Chor Seltisberg
• Gemischter Chor Rudolfstetten/Friedlisberg
• Akademisches Orchester Basel

Solisten:

• Daniela Immoos und Marni Schwonberg, Sopran
• Valentin J. Gloor, Tenor
• Othmar Sturm und Uli Acolas, Bass

Leitung:

• Markus J. Frey

Programm:

• “Die Schöpfung” von Joseph Haydn (1732-1809)

Ort: Martinskirche, Basel

Solistin:

• Elina Gotsouliak, Klavier

Leitung:

• Raphael Immoos

Programm:

• Felix Mendelssohn-Bartholdy (1809-1847): Symphonie Nr. 3 «Schottische» op. 56, (1830)
• Frédéric Chopin (1810-1849): Konzert für Klavier und Orchester Nr. 1 e-moll, op. 11 (1829-31)

Ort: Martinskirche, Basel

Leitung:

• Tobias von Arb

Programm

• Felix Mendelssohn Bartholdy (1809-1847): Verleih uns Frieden gnädiglich (1831), Choralkantate für Chor und Orchester
• Luigi Cherubini (1769-1842): Requiem in c (1816) für gemischten Chor und Orchester
• Felix Mendelssohn Bartholdy: Der 114. Psalm. Da Israel aus Ägypten zog, op. 51 (1839) für Chor und Orchester

Ort: Martinskirche, Basel

Solisten:

• Hansjürg Rickenbacher, Tenor
• Martin Roos (Horn)

Leitung:

• Raphael Immoos

Programm:

• Charles François Gounod (1818–1893): Petite symphonie für Bläser
• Benjamin Britten (1913–1976): Serenade für Horn, Tenor und Streichorchester
• Barry Mills (*1949): Homage (für das Akademische Orchester Basel)

Zum Programm: “Hommage”

Wie entstehen Kompositionen und weshalb? Das aob hat sich als Aufgabe gesetzt, drei Kompositionen aufzuführen, die alle auf Grund einer Widmung – einer Hommage – zustande gekommen sind. Dazu zählt die berühmte und grossartige Petite Symphonie des schwelgerischen französischen Meisters Charles Gounod, der um 1885 eine Sinfonie den besten Bläsern Frankreichs widmete, welche sich in der société de musique de chambre pour instruments a vent zusammenschlossen. Die Petite Symphonie ist mit Recht das berühmteste Bläserensemble‐Stück des 19. Jahrhunderts und hat viel zur Popularität des beliebten französischen Komponisten beigetragen.

Serenade lautet der schlichte Titel eines Stückes des bekanntesten englischen Komponisten des 20. Jahrhunderts, Benjamin Britten. Im Gegensatz zu Gounod ist die Serenade nur für Streicher komponiert und somit in dieser Kombination ein interessanter Farbtupfer und Ohrenschmaus für das Konzertpublikum. Denn zu den Streichern gesellen sich ein Solo‐Horn (Martin Roos) und ein Solo‐Sänger (Hans‐Jürg Rickenbacher, Tenor). Britten widmete dieses Stück 1944 dem Schriftsteller Edward Sackville‐West, als Hommage an die fruchtbare Zusammenarbeit in The Rescue, einer Radioproduktion mit Libretto des bekannten englischen Schriftstellers.

Den Höhepunkt des Konzertprogramms bildet die Uraufführung der Komposition Homage des Engländers Barry Mills, der seine Widmung gleich doppelt formulierte. Es ist in erster Linie eine Hommage an das aob (Akademisches Orchester Basel), welches mit seinen innovativen Konzerten als profiliertes Amateurorchester regelmässig Grenzen sprengt, experimentiert, Neue Musik verständlich vermittelt und auch ältere, dafür unbekannte und originelle Werke zur Aufführung bringt. In seiner Homage kommen Komponisten vor, welche bereits vom aob gespielt wurden, so eine Hommage an Ravel, Debussy oder Vaughan Williams. Es handelt sich um faszinierende, in neuer Sprache geschriebene, gut verständliche Klangbilder. Barry Mills versteht es, dem Orchester ganz neue Klänge zu entlocken – Klänge, die sich aus der Stille heraus in bezaubernde Klangbilder verwandeln, Klangbilder zum Träumen und Schwelgen, wobei wir wieder bei Charles Gounod angekommen sind, dem «grossen Schwelger» des 19. Jahrhunderts…

Charles Gounod (1818-1893)

Petite Symphonie für 9 Bläser (1885)

Charles Gounod stammt aus einer Künstlerfamilie, der Vater war Maler. Seinen ersten Klavierunterricht erhielt er von seiner Mutter. Unter seinen ersten Lehrern war Anton Reicha, ein bekannter Komponist aus Prag, der sich in seinem Oeuvre speziell den Bläsern widmete. Dieser bereitete ihn auf sein künftiges Studium am Conservatoire in Paris vor. Vorerst widmete sich Gounod der Kirchenmusik. Um die Musik Palestrinas kennen zu lernen, reiste er nach Italien. Dort bot sich auch die Gelegenheit, die bedeutenden Opern Donizettis und Bellinis hautnah mitzuerleben. Nebst bedeutenden Messen, Kantaten und sogar Oratorien schrieb Gounod auch zahlreiche Opern, darunter die bekannte Faustoper „Margarethe“.

Zurück in Paris war Gounod vorerst Organist, leitete einen Männerchor und war später als einer der bedeutendsten Opernkomponisten tätig. Ebenfalls aus diese Zeit stammen seine beiden grossen Sinfonien für Orchester. Infolge des deutsch-französischen Krieges emigrierte Gounod nach London und lebte dort einige Jahre. Seine leider einzige Bläsersinfonie, bescheiden überschrieben mit Petite Symphonie, schrieb Gounod wiederum in Frankreich. Es handelt sich um eines der berühmtesten Werke für Bläserensemble überhaupt. Bereits die ersten Takte verraten den Opernkomponisten. So beginnen viele Opern, während sich der Vorhang geheimnisvoll öffnet! Einem heiteren Allegretto folgt ein lyrisches Andante cantabile. Es könnte geradezu ein Satz aus einem Flötenkonzert sein mit dem Unterschied, dass hier kein Klavier und auch kein Orchester begleitet, sondern ein agiles Bläserensemble von nur 8 Bläsern. Nach diesem meisterhaften, sinnlichen Variationensatz folgt konsequenterweise ein lebhaftes Scherzo. Die Hörner eröffnen diesen virtuosen Satz und verraten, dass es sich um eine Jagdszene handeln könnte. Finale heisst die Überschrift des letzten Satzes. Unverkennbar wiederum die Vorbereitungstakte wie am Anfang der Sinfonie. Im weiteren Verlauf zeigt sich unmittelbar, dass Gounod nicht nur ein Meister des Schwelgens und der grossen Effekte ist. Hier klingen barocke Vorbilder an, nicht zuletzt Johann Sebastian Bach, welcher Gounod tief verehrte. Gounod zeigt im Finale, dass er die Stimmen nach alter Manier ineinander weben kann. Den Kontrapunkt hat er ja schliesslich gründlich gelernt, spätestens in Italien!

Benjamin Britten (1913-1976)

Serenade for tenor solo, horn and strings, Opus 31 (1943)

1939 verlässt Britten seine Heimat und zieht mit seinem Lebenspartner, dem Tenor Peter Pears, nach Amerika. 1940 zerstörte ein deutscher Luftangriff die Kathedrale von Coventry, einer englischen Industriestadt in den West Midlands. 1942 kehren beide wieder nach England zurück – ein Artikel über den englischen Dichter George Crabbe soll die Entscheidung ausgelöst haben – gross war die Sehnsucht nach dem Heimatland.

Hier entsteht die Serenade in einer bisher nie gehörten Kombination, mit Tenor, Horn und Streicher. Die Tenorpartie ist auf die Stimme seines Partners Peter Pears geschrieben, den Hornpart übernimmt der geniale, junge und leider allzufrüh verstorbene Hornist Dennis Brain. Bei der Auswahl der Gedichte soll der englische Schriftsteller Edward Sackville-West mitgeholfen haben; ihm ist das Werk auch gewidmet.

Das Stück beginnt mit einem Hornsolo, auf den Naturtönen des Instruments beruhend. Alles scheint in bester Ordnung zu sein. Pastoral (Text von Charies Cotton) beschreibt eine Idylle eines Sonnenuntergangs, wie sie ein grosser Romantiker des 19. Jahrhunderts hätten vertonen können. Spätestens in Nocturne (Lord Tennyson)  erfahren wir, dass mit der Dunkelheit die Angst gegenwärtig ist, das Land der Elfen (das Diesseits) meldet sich, die Klänge des Horns ersticken, die Echos sterben, die Natur verstummt. In Elegy (William Blake) erscheint das Horn in verändertem Kleid. Gespenstig kündet es den Tod einer roten Rose an. Von einem „unsichtbaren“ Wurm ist die Rede, der aus geheimer und perverser Liebessucht während eines heulenden Nachtsturms die Schönheit des Lebens auffrisst. Die Geigen schleppen sich mühsam, jedoch stetig vorwärts. Unausweichlich ist das Schicksal. Ein anonymes Gedicht in Form eines mehrstrophigen Liedes aus dem 15. Jahrhundert, Dirge, (harmlos mit Trauergesang übersetzt) ist  in Tat und Wahrheit die mittelalterliche, vorreformatorische Schreckensvorstellung des Dies Irae, der Tag der ewigen Abrechnung. Geradezu versöhnlich erklingt die anschliessende Hymn (Ben Jonson), eine „Nachtvariante“ mit griechischen Göttinnen voller Grazie, welche „den Himmel erhellen, wenn der Tag vorüber ist“.  Das Horn schweigt im Sonnet (John Kreats), einem Abgesang bestehend aus einem innigen Plädoyer für eine ungestörte Ewigkeit jenseits von Gottheiten („umschattet vom göttlichen Vergessen“), eine Art „weltliches Gebet“, wenn es so etwas überhaupt gibt… Ein letztes Mal erklingt das Horn – alleine, wie ein Mahnmal – eine Erinnerung wider das Vergessen?

1962 erklingt Brittens War Requiem in der neu errichteten Kathedrale von Coventry.

Barry Mills (*1949)

Homage (Uraufführung)

Meine Komposition “Homage”  entstand als Dank an das aob, welches im September 2007 mein Konzert für Mandoline und Gitarre in Basel uraufführte und mich mit meiner Frau zu diesem Anlass herzlich und gastlich empfing.

Der erste Satz trägt den Titel “Das Lächeln eines Kindes” und ist Ravel gewidmet, der in seiner Suite Ma Mère l’Oye (Mutter Gans) sehnsüchtig die Kindheit wachruft. Dabei nehme ich auf seine harmonische Sprache Bezug. Die zweite Reverenz gilt Satie und ist von dessen Gymnopédie No. 1 und Gnossiennes beeinflusst. Meine Huldigung an Holst ist vom eiligen, geflügelten Götterboten Merkur aus Holst’s Komposition “The Planets“ abgeleitet, mit rhythmischen und melodischen Zitaten. Die Widmung an Vaughan Williams beruht auf einem englischen Volkslied. Dieses erklingt zunächst in der Oboe, wobei jeweils eine Melodie der Solovioline jede Aussage des Liedes von der nächsten trennt. Deutlich hörbar sind im weiteren Verlaufe Vogelstimmen die überleiten in ein Zitat aus Vaughan Williams’ The Lark Ascending (die aufsteigende Lerche). Meine Hochachtung vor Debussy bezieht sich auf sein gleichnamiges Prélude für Klavier, Feu d’artifice. Ich übernahm dessen Titel und Charakter. Der letzte Satz, Night Music, zitiert den Beginn des zweiten Satzes aus Bartók’s zweitem Klavierkonzert. Eine Folge von Akkorden in den Streichern weist meines Erachtens auf eine nächtliche Stimmung hin. Später kombinierte ich Klänge aus dem Konzert für Orchester dazu.

(sinngemässe, übersetzte und leicht gekürzte Fassung des Komponisten – wir verweisen auf die ausführliche Konzerteinführung um 19.15 Uhr)

Barry Mills wurde 1949 in Plymouth geboren. 1971 schloss er an der Sussex University erfolgreich in Biochemie ab. Fünf Jahre später kehrte er an die Uni zurück, um Musik zu studieren. Seine Lehrer waren David Osmond-Smith, David Roberts, Colin Matthews und Ann Boyd. Die dort erworbenen Kenntnisse in Komposition vertiefte er in intensivem Selbststudium. Er lebt in Brighton an der britischen Kanalküste.

Um sich wenigstens nachmittags ohne finanzielle Not der Musik und dem Komponieren widmen zu können, arbeitete Barry Mills jahrzehntelang jeweils frühmorgens als Postbote, bis er kürzlich frühpensioniert wurde. Von seinen Kammermusikwerken hat Claudio Records vier CDs herausgegeben. Die Pianistin Thalia Myers gab bei ihm das Klavierstück “Clouds” (Wolken) in Auftrag; sie spielte es im Rahmen ihres Albums “Spectrum 2″ ein, das bei NMC erschien. Sein Orchesterwerk “Tartano” wurde 1997 von den Mährischen Philharmonikern unter Jiri Mikula in Tschechien uraufgeführt und erschien bei Vienna Modern Masters auf CD. Zahlreiche Interpreten, darunter die “Society for the Promotion of New Music“ und die Schweizer Ensembles „Quintetto Auletico“ (Bläser des Radioorchesters RSI) und „Quartetto di Sassofoni Arte“, brachten weitere Orchesterkompositionen und Kammermusik von Barry Mills zur Aufführung.

Ort: Seltisberg (Freitag) und Liestal (Sonntag)

Leitung:

• Markus J. Frey

Programm:

• Jakub Jan Ryba (1765-1815): Böhmische Hirtenmesse

Kritik:

• OBZ, 11.12.2008
  

Ort: Martinskirche, Basel

Solisten:

• Marysol Schalit, Sopran
• David Leclair, Tuba

Leitung:

• Raphael Immoos

Programm:

• Antonín Dvořák (1841-1904): “In der Natur”
• Franz Tischhauser (*1921, Schweizer Komponist): “Eve’s meditation on love” für Tuba, Sopran und Streicher
• Alec Wilder (1907 – 1980): “Effie Suite” für Tuba und Orchester
  mehr Info (Wikipedia)
  www.alecwildercentennial.com

Tickets:

Online-Ticket-Reservation via kulturticket.ch

Weitere Informationen zur Ticketbestellung hier.

Franz Tischhauser

Tischhauser wurde am 28. März 1921 in Bern geboren. Er wuchs in St. Gallen auf und schloss das dortige Gymnasium mit der Matur ab. 1940-44 studierte er Musik am Konservatorium Zürich. Seine Lehrer waren
u.a. Paul Müller (Komposition und Theorie), Walter Lang und Rudolf Wittelsbach (Klavier).

1951-71 arbeitete er beim Schweizerischen Landessender Beromünster als Programmplaner im Radiostudio Zürich; 1971 wurde er dort zum Leiter der Dienststelle Musik ernannt. Diesen Posten bekleidete er bis 1983. Seine Kompositionen bleiben tonal; sie zeichnen sich durch Transparenz in Aufbau, Form und Satz aus, ebenso durch spielerischen Umgang mit den eingesetzten Mitteln. Oft greift er zur Ironie oder Parodie; gerne verwendet er musikalische Zitate. Immer wieder kommt Tischhausers Liebe zu unkonventionellen Besetzungen und zu humorvollen, bisweilen skurrilen Themen zum Ausdruck; so vertonte er u.a. mehrere Gedichte von Christian Morgenstern und einen Text von Mark Twain. Anderseits haben es ihm auch die Gedichte von Catull angetan.

1951 erhielt Tischhauser den C.F. Meyer-Preis, 1988 den Musikpreis der Stadt Zürich. Er lebt in Teufen ZH, ist Mitglied des Schweizerischen Tonkünstlervereins und Stiftungsrat der Amadeus-Stiftung, welche den Amadeus-Musikverlag bei der Herausgabe bisher ungedruckter Werke unterstützt.

Werke:

• “Klein Irmchen”, Lieder (1937, nach Morgenstern)
• “Der Geburtstag der Infantin”, Ballett mit grossem Orchester (1941)
• Concertino für Klavier und Orchester (1945)
• Feierabendmusik für Streicher (1946)
• “Landpartie” für 2 Hörner und Streicher (1948)
• “Duo Catulli Carmina” für Tenor und Gitarre (1949)
• “Nasobem” Divertimento für gemischten Chor a capella (1950, nach Morgenstern)
• Kassation für 9 Instrumente (1951)
• Oktett für 3 Bläser und 5 Streicher (1953)
• “Amores” für Tenor, Trompete, Schlagzeug und Streicher (1956, nach Catull)
• “Seldwyliana”, Geisterstunde in einer vormals lustigen Kleinstadt, für grosses Orchester ohne Schlagzeug (1961)
• “Punctus contra Punctum” für Tenor und Bass (1962)
• “Omaggi a Mälzel” für imaginäres Metronom und 12 Streicher (1963)
• Mattinata für 23 Bläser (1965)
• “Antiphonarium profanum” für 2 Männerchöre (1967)
• Kontertänze für 2 Orchester (1968)
• “Eve’s Meditation on Love” für Sopran, Tuba und Streicher (1971, nach Mark Twain)
• “The Beggar’s Concerto” für Klarinette und Streicher (1976)
• “Dr. Bircher und Rossini” für Cembalo und Streicher (1979)
• “Das Vierklaklavier”, Galgenlieder ohne Worte für 4 Klarinetten (1984)
• “Die Bremer Stadtmusikanten” für Fagott, Klarinette, Oboe, Flöte und Klavier (1986)
• “Die Hampeloper” oder “Joggeli söll ga Birli schüttle”, konzertante Animation des Bilderbuches von Lisa Wenger, für 11 Vokalsolisten, 3 Chorgruppen und kleines Orchester (1986)
• “Beschallung der Stadt Kalau durch Elfenbeinturmmusik und Gemeinplatzkonzert” für 4 Hörner und 8 Holzbläser (1990)

Marysol Schalit, Sopran

Marysol Schalit, geboren 1982, begann gleich nach der Matura mit dem Gesangsstudium an der Hochschule der Künste Biel/Bern. Im Oktober 2007 schloss sie ihr Konzertdiplom (Schwerpunkfach Lied und Oratorium) mit Auszeichnung ab. Zurzeit studiert sie weiter im Opernstudio Biel und in der Solistenklasse von Marianne Kohler. Sie besuchte Meisterkurse bei Krisztina Làki und Gérard Wyss, trat als Solistin mit verschiedenen Orchestern, in Musicals (Dr chly Vampir, Stadttheater Biel), Kabaretts (Berliner Luft) und in weiteren Musik- und Theaterproduktionen auf.

Letzte Spielzeit 06/07 sang sie am Stadttheater Biel Solothurn die Partie der Flora aus „The Turn of the Screw“ von B. Britten und im Sommer 2007, unter cantus firmus, den Amor aus Ch. W. Glucks Oper „Orphée et Euridice“ (Pariser Fassung) auf dem Schloss Waldegg.

Sie ist Preisträgerin der Friedl Wald-Stiftung 2006, der Kiefer Hablitzel, Frau Hedwig Collard-Scherrer Stiftung 2008, des Migros-Kulturprozent Studienpreises der Ernst-Göhner Stiftung in Zürich 2008 und des Internationalen Simandy Jozsef Gesangswettbewerb 2008.

Ort: Kuspo Münchenstein

Leitung und Moderation:

• Raphael Immoos

Ort: Pauluskirche, Basel

Solistin:

• Susanne Doll, Orgel

Leitung und Konzerteinführung:

• Raphael Immoos

Programm:

• Johann Sebastian Bach: Präludium und Fuge c-moll BWV 546, bearbeitet für Sinfonieorchester
• Francis Poulenc: Konzert für Orgel in g-moll, Pauke und Orchester g-moll
• Modest Mussorgski: Bilder einer Ausstellung, bearbeitet für Orgel und Orchester

Konzertvorschau:

• BaZ Kulturmagazin 28.02.2008, Seite 20

Konzertkritik:

• BZ, 04. März 2008
  

Ort: Martinskirche, Basel

Solisten:

• Duo Ahlert und Schwab

Leitung:

• Raphael Immoos

Programm:

• Ralph Vaughan Williams (1872-1958): Symphonie No. 5 (1943)
• Rodney Newton (*1945): Concerto da camera No. 1 (1977) für Mandoline, Gitarre und Orchester
• Barry Mills (*1949): Konzert für Gitarre, Mandoline und Orchester (Uraufführung)

Programmeinführung:

Es steht Musik aus England auf dem Programm. Aus der romantischen Tradition (R.V.Williams) schreiten wir behutsam in die gemässigte Moderne (Williams hat seine Sinfonie in Anlehnung der 5. von Sibelius geschrieben), mit einer Uraufführung voraussichtlich unter Beisein des Komponisten (Barry Mills).

Englische Musik bleibt immer sinnlich. Kaum ein Land hat sich in seiner Tradition konsequent für immerwährenden Klangsinn verschrieben. Deshalb stehen Englands Orchester und Chöre an erster Stelle, was Interpretation und Aufführungspraxis betrifft und dies nicht erst seit den letzten Jahren. Bereits im 18. und 19. Jahrhundert hat sich England für die perfekte, höchst aufwendigen musikalische Umsetzungen vieler Werke von Händel (Messiah), Haydn (6 grossen Messen und Londoner Sinfonien) und Mendelssohn (Sinfonien und Ouvertüren, sowie die Oratorien Elias und Paulus) einen Namen gemacht. Viele Meisterwerke aus Europas Festland wurden in England uraufgeführt. Zu Unrecht weniger bekannt sind die “hauseigenen” Komponisten Englands, abgesehen von Tallis, Byrd, Purcell, Elgar und Britten. Es gibt viele englische Komponisten, die ebenfalls Geschichte geschrieben haben und mehrfach für ihr Oeuvre ausgezeichnet wurden, Hubert Hastings Parry, Charles Villiers Stanford, Gustav Holst und z.B. R. V.

Williams, um nur einige zu nennen.Rodney Newton und Barry Mills gehören zur jüngeren Generationen von englischen Komponisten. Ihre Kompositionen sind, wie uns der Schweizer Jean Deatwyler in seinem Alphornkonzert eindrücklich demonstriert hat, für Soloinstrumente (Gitarre und Mandoline) geschrieben, die eigentlich im Sinfonie-Orchester nichts zu suchen haben… Solche neue Ansätze sind unterstützungswürdig und bringen einmal mehr Leben und Bereicherung in die nach wie vor eingleisige Programmgestaltung grosser, kommerzieller Konzertveranstalter.

Freuen wir uns auf ein weiteres, exquisites Programm, welches bislang in dieser Art schweizweit noch nie aufgeführt wurde…!

Raphael Immoos, April 2007

Konzertkritik:

• MZ, 25. September 2007
  

Ort: Seltisberg / Liestal

Leitung:

• Markus J. Frey

Programm:

• Andreas Romberg (1767-1821): Das Lied von der Glocke, mit dem Gemischten Chor Seltisberg

Ort: Martinskirche, Basel

Solistin:

• Eliana Burki, Alphorn

Leitung:

• Raphael Immoos

Programm:

• Leopold Mozart: Sinfonia Pastorale für Alphorn und Streicher G-dur
• Ludwig van Beethoven: Zwölf deutsche Tänze
• Emmanuel Chabrier (1841-1894): Suite Pastorale
• Jean Daetwyler (1907-1994): Konzert Nr.1 für Alphorn und Orchester

Konzertkritik:

• MZ, 21. März 2007

Ort: Stadtcasino Basel

Leitung:

• Raphael Immoos

Programm:

• Léo Delibes: Ballet-Suite Sylvia
• Etienne-Nicolas Méhul: La chasse du jeune Henri
• Carl Orff: Carmina Burana, Cantiones profanae, für 3 Solostimmen, Jugendchor, Chor und Orchester

Ort: Liestal / Gelterkinden

Solisten:

• Markus J. Frey (Bass-Bariton)
• Simon Jäger-Vogel (Tenor)
• Maria Eugenia Lavochnik (Mezzosopran)
• Gabriela Freiburghaus (Sopran)

Leitung:

• Franziska Meier

Programm:

• Johann Christian Bach: Sinfonia op. 18, Nr.2 in B-dur (Allegro assai, Andante, Presto)
• W. A. Mozart: “Exsultate, jubilate”, Motette in F-Dur, KV 165
• W. A. Mozart: “Litaniae de venerabili altaris Sacramento”, Es-Dur, KV 243
• W. A. Mozart: “Splendete te”, C-Dur, KV Anhang 121

Konzertkritik:

• Oberbaselbieter / BZ, Mai 2006

Ort: Martinskirche, Basel

Solisten (“Cello a quatro”):

• Ceciel Strouken
• Chantal Langlotz-Weibel
• Monica Forster Corrêa
• Michaela Bongartz

Leitung:

• Raphael Immoos

Programm:

• Johann Christian Bach: Sinfonia op. 18, Nr.2 in B-dur (Allegro assai, Andante, Presto)
• Joseph Bodin de Boismortier: Sonate in d-Moll mit dem “Cello a Quatro” (Andante, Presto, Adagio, Allegro)
• Antonio Vivaldi: Concerto in e-Moll op. 3, Nr. 4 aus “L’Estro Armonico”, in einer Bearbeitung für 4 Celli und Streichorchester (Andante, Allegro assai, Adagio, Allegro)
• Leopold Mozart: Sinfonie in G-Dur (Allegro, Andante, Allegro)
• Frederico Zimmermann Aranha: Concerto para Quarteto de Violoncelos e Orquestra Sinfônica, Uraufführung
  - Samba de Doze Notas Só (allegro dodicafônico)
  - Quarteto e Réquiem Para Amadeus (adagio tonal)
  - Forró Em Basel (presto modal)

Programmeinführung:

Sehr geehrtes Konzertpublikum,

250 Jahre ist es her, seit Wolfgang Amadé Mozart (wie er sich selber nannte) das Licht der Welt erblickte. Seither scheint der Mythos um das geniale Wunderkind nicht mehr zu verstummen. Besonders dieses Jahr blinzelt uns Mozart bis zum Ueberdruss von Plakatwänden zu, versteckt sich auf allerlei Schokoladen-Konfekt und verstopft die Regale von Souvenirläden und CD-Stores.
Das aob schafft Abhilfe! Heute abend erklingt kein Mozart, zumindest nicht Musik von Wolferl! Unser Konzert ist seinem Umfeld gewidmet: allen voran seinem Vater Leopold, seinem Bewunderer und Vorbild Johann Christian Bach und einigen Vorfahren aus der barocken Szene, die durch ihr musikalisches Oeuvre und intensives Klangforschen die Grundlagen lieferten, welche eben ein Genie des 18. Jahrhunderts, wie es Mozart darstellte, dringendst benötigte. Die Auswahl der Komponisten ist keineswegs repräsentativ. Wichtiger erscheint mir folgende Tatsache: Als deutscher Komponist hatte man die Qual der Wahl, im französischen oder italienischen Stil zu komponieren – oder noch besser, sich gleich beider zu bedienen (Italien und Frankreich befanden sich schon über längere Zeit in einem musikalischen Wettstreit)! Dies wiederum setzte fundierte Kenntnisse voraus, welche an Ort und Stelle studiert und vertieft werden mussten. Schon vor Mozarts Zeiten reisten deutsche Komponisten regelmässig nach Italien und Frankreich, um der Mode und dem Geschmack beider Länder nachzueifern. Vater Leopold zog deshalb schon früh mit Sohn Wolfgang in die Fremde. Und offensichtlich hat es sich gelohnt. Mozart ist heute für viele der Inbegriff der “klassischen” Musik geworden (was auch immer darunter verstanden wird).
Die Musik Mozarts wiederum zeigte Wirkung für spätere Komponisten weit über Europas Grenzen hinaus und bis in die heutige Zeit. Das aob trägt das Seine dazu bei und erteilte eigens einen Kompositionsauftrag: Wir freuen uns deshalb besonders auf die Uraufführung eines Werkes für Celloquartett und Sinfonie-Orchester des Brasilianers Frederico Zimmermann Aranha. Somit wäre auch schon etwas über die instrumentale, spezielle Besetzung des Konzert-Abends verraten. Wir begrüssen ganz herzlich die vier Cellistinnen: Michaela Bongartz, Chantal Langlotz-Weibel, Monica Forster Corrêa (sie ist regelmässig Stimmführerin im aob) und Ceciel Strouken von “Cello a Quatro”.

Wir freuen uns auf einen unvergesslichen Konzertabend mit Ihnen

Ihr aob (Akademisches Orchester Basel)

Raphael Immoos, Künstlerische Leitung

Frederico Zimmermann Aranha, *13. April 1946 in Sao Paulo (Brasilien)

Gleich als ich auf die Welt kam, merkte meine Mutter, dass ich Chirurgenhände hatte, mein Vater dachte, ich hätte Augenarztaugen, und meine Onkel glaubten, ich hätte Ohrenarztohren, Knie eines Orthopäden oder Magen eines Gastrologen… Nur meine Patentante verneinte das alles: Es war klar, dass ich wie ein Lungenarzt atmete. So kam es – auch wenn keiner mir sagte, ich solle Arzt werden – dass ich doch immer in diese Richtung lernte.

Mein Vater war Schreiber im Notariat und spielte Geige als Amateur, spielte etwas unsauber – weil er kaum Zeit hatte zum Üben. Denn er arbeitete wie ein Sklave, um eine gute Schule für die Kinder zahlen zu können, überhaupt der einzige Luxus für eine kleinbürgerliche Familie wie unsere es war. Meine Mutter sang, und das sehr gut; obwohl sie es vor ihrer Hochzeit bis zur Hochschulreife gebracht hatte, wählte sie den schwersten und am schlechtesten bezahlten aller je ausgedachten Berufe: Mutter.
Als ich zur Aufnahmeprüfung für Veterinärmedizin kam, spielte ich schon etwas Klavier und hatte eben entdeckt, dass Gitarre fast so gut wie Sex ist, mit einem wichtigen Vorteil: die Gitarre hatte nie Kopfschmerzen und reklamierte nie über etwas. Da ich nicht die geringste Lust hatte, Physik, Biologie oder andere Fächer fürs Examen zu lernen, entschloss ich mich für die 7.Option der Liste der Hochschulen, Veterinärmedizin. Diese war nämlich in der Uni Sao Paulo (USP) zuhause, sicher der besten Lateinamerikas. So erfuhr ich bald, dass ein Veterinär im Jockey Club eine Riesensumme bekommen hatte, und entschied mich für dieses Fach. Ich probierte es ein Jahr lang, genug um zu entdecken, dass ich Tiere liebte, aber nur im Zoo oder im Geographic Channel. Ich war ein mittelmässiger Student, dafür wurde meine Gitarre in diesem Jahr immer besser.

Meine Schwester studierte Recht und mein Bruder Ingenieur, beide in der USP. Nach all den Jahren Mühe meiner Alten, wie sollte ich ihnen sagen, dass ich Jazzmusiker werden wollte? Wie?! Gut, dann halt so: Ich machte wieder eine Aufnahmeprüfung, diesmal in Humanmedizin an der Universität in Botucatu. Es war eine gute Medizinschule in einer guten Stadt, 300 km von Sao Paulo, so dass ich dorthin zog. Nach 22 Tagen Unterricht kam mir in den Sinn, dass ich mindestens sechs Jahre in dieser kleinen Provinz leben würde; ich würde davor noch vor Langeweile sterben. Und jetzt? Wiederum fragte ich mich entsetzt: Was würde ich zuhause sagen? Sei’s drum: Ich machte erneut eine Aufnahmeprüfung, diesmal um Geschichte zu studieren, wieder in der USP. Ausser dass ich die Fächer richtig mochte, hatte ich Zeit übrig, um in Bars zu spielen, meine Lieder zu komponieren, Harmonie zu lernen, viel zu flirten und nicht zuletzt gegen die faschistische Diktatur zu kämpfen, unter der Brasilien zwischen 1964 und 1982 litt. Und wurde Musiker in einem Land, wo dieser Beruf gleich unter den Abtrittwäschern rangiert – zumindest bei denen, welche sich rigoros ehrlich mit ihrer ganzen Existenz der Kunst verpflichten. Und ich wusste schon, als ich aus der Uni kam, dass ich auch nicht im geringsten glücklich sein würde in einem anderen Beruf als in der Musik. Aber ich mache nur was ich mag, wann ich mag, wie ich mag, wo ich mag, weil ich es mag; in einem Wort, ich mache nur Musik, weil ich sie liebe. Deshalb ist mein Auto ein alter Chevrolet Baujahr 1989, und ebenso deswegen habe ich mein Leben damit verbracht, nur das zu tun, was mir Freude macht. Leben und Ueberleben kann ich nur in meinem Beruf.

Ich habe klassische Gitarre, Jazz-Gitarre, Klarinette und Alt-Saxophon gelernt, war aber nie klassischer Gitarrist, obwohl ich auch spanische Techniken beherrsche. Ich spielte viel Jazz, gründete Bluesbands mit viel Bossa Nova, Tangos und Boleros…, hatte Auftritte im Radio, TV, Theater, Nachtbars, Cabaret, Zirkus, Bordellen und auf öffentlichen Plätzen… kurz, ich machte musikalisch fast alles, war aber immer und hauptsächlich Arrangeur und Komponist. Ich hasse es zu dirigieren. Nachdem ich fast 30 Jahre gespielt habe, kostet es mich heute viel Ueberwindung, die Gitarre in die Hand zu nehmen: Es braucht zuviel Zeit und Arbeit, etwas mit dem Instrument gründlich zu einzustudieren, und so lasse ich es, um den Schreibstift zu nehmen.

Noch nie habe ich ausserhalb Brasiliens gespielt. Mein einziger renommierter Lehrer war Prof. Hans Joachim Koellreutter. Ein Jahr lernte ich bei ihm und besuchte sein Seminar “Aktualisierung der Musikpädagogik” im Institut für Fortgeschrittenen Studien der USP. Dann waren wir ein Jahr zerstritten, dann schlossen wir wieder Frieden, und so weiter während 12 Jahren. Sei’s drum: Da ich nichts machen kann, wenn ich den Sinn der Sache nicht zuerst erkannt habe, bin ich ein typischer Autodidakt. Aber mit Koellreutter und mit meiner Frau Maria Emília, Konzertpianistin, machte ich 1988 die Serie “Ohr und Verstand” mit 12 Sendungen im Radio Cultura FM, eine erstklassige Sache.

Auf Veranlassung des jetzigen Kultusministers Gilberto Gil, des bekannten Dirigenten Júlio Medaglia und anderen erhielt ich 1990 und 1995 zweimal den Vorschlag als bester Arrangeur für den “Prêmio Sharp” (brasilianischer “Grammy”). Am Universitäts-Festival in Sao Paulo 1974 gewann ich den ersten Preis, in einem 1990 vom Trio Basso Köln ausgeschriebenen Kompositionswettbewerb den zweiten Preis. Im MPB (“Musica Popular Brasil”, nationaler Wettbewerb ) kam ich in den 9. Rang; die Sambaschule Rosas de Ouro verlieh mir am Karneval 1980 in Sao Paulo den 2. Preis im Samba Enredo.

In 43 Jahren als Profimusiker habe ich unzählige Stücke komponiert. 99% meiner Werke wurden bisher nie aufgeführt, darunter 2 Konzerte für Klavier, eins für Cello und Flöte, eins für Cembalo, eins für 2 Gitarren und eins für Dirigenten (“Sinfonia Fratal” benannt, mit Vierteltönen, sehr schwer). Besonders liebe ich Englischhorn, Bratsche und Horn; ich habe aber nie etwas für diese geschrieben, aus Angst, diesen Zauber zu verlieren. Das Cello interessiert mich speziell, seit ich in der Orquestra de Câmara de Blumenau die Cellistin Monica Forster Corrêa kennen lernte. In Europa spielen u.a. das Trio Basso Köln und das Cello a Quatro, in den USA zwei Geiger in Boston und New York meine Werke. Aus der Sicht der Musiktheorie ist sicher das Wichtigste von allem, was ich je gemacht habe, die Erfindung eines neuen apotonalen Kontrapunktes. Diese Technik habe ich oft in Stücken benutzt, mit denen ich mich nicht darum bemühte, das Publikum zu erfreuen. Brasilien lebt noch nicht in der Zeit von Schönberg und ist auch nicht daran interessiert, Stockhausen oder Hespos zu hören: weeeer war das?!?! Meine Kompositionen sind für Künstler in aller Welt schwer, das weiss ich. Als Monica mich aber bat, ein Konzert für Celloquartett zu schreiben, dachte ich zunächst ernsthaft daran, einige Dutzend Funks zu schreiben – jetzt, wo wir ein Kind bekommen, sollte ich mich mehr mit dem Preis der Windeln als mit der künstlerischen Integrität beschäftigen. Bisher habe ich es aber nicht geschafft, das zu tun, und vielleicht lasse ich das für eine nächste Inkarnation.
Heute wohne ich in einer sehr schönen Stadt an der Küste (mit einer sehr zurückgebliebenen Mentalität, auch für brasilianische Verhältnisse) und unterrichte Gitarre für Kinder. Mein Kurs über Musikgeschichte mit Tausenden von Bildern und Hunderten von Tonaufnahmen liegt längst fertig vor, doch habe ich noch niemanden gefunden, der sich dafür interessiert, auch nicht in der Uni von Taubaté, nah von hier. Kurz vor dem Verzweifeln denke ich jeweils an Mozart – MOZART!!! – er wurde arm und bedürftig begraben; dann, statt verzweifelt loszuheulen, werde ich wütend und schreibe noch mehr Musik. Und denke an Koellreutters Definition: Musik IST!

Zum Schluss noch dies: Wenn es in Europa ein Orchester oder eine Musikinstitution gäbe, welches mir 1000€ im Monat zahlen würde, würde ich exklusiv für diese arbeiten: 10 Stunden am Tag, 30 Tage im Monat, 52 Wochen im Jahr: Kompositionen, Arrangements, Transkriptionen und Partituren. Ich bin fähig, ein Konzert pro Monat zu schreiben, das garantiere ich.

Concerto para Quarteto de Violoncelos e Orquestra Sinfônica

(Uraufführung 4. Februar 2006 in Basel)

von Frederico Zimmermann Aranha

Das Werk entstand im Jahre 2005 auf Anregung von Monica Forster Corrêa für ihr Cellistinnen-Quartett “Cello a Quatro” und für Basel.

Das Concerto ist in der hergebrachten Architektur klassischer Konzerte aufgebaut (Allegro, Adagio, Rondo), aber in einer anderen Sprache geschrieben (dodekaphonisch, tonal und modal). Es versucht zu zeigen, wie sehr die europäische Musikkultur die brasilianische beeinflusst hat.
Der einleitende Samba de Doze Notas Só (Samba in nur zwölf Noten) lebt von afro-brasilianischer Rhythmik und einer Melodie im seriellen, streng chromatischen Kontrapunkt nach der Technik von Ernst Krenek. Die Überschrift enthält eine kleine Anspielung auf den “Samba de Uma Nota Só” (Samba in nur einer Note) von Antonio Carlos Jobim.

Am Anfang des Mittelsatzes – Quarteto e Réquiem Para Amadeus – spielt das Celloquartett allein ein Präludium (eine instrumentale Motette) nach der rigorosen Kontrapunkttechnik von Palestrina. Ein Réquiem schließt sich unmittelbar an (attacca). Darin drückt der Komponist seine Trauer und sein tiefes Bedauern über die Zugehörigkeit zu einer Menschheit aus, die es zugelassen hat, dass das größte musikalische Genie aller Zeiten unter den uns bekannten Umständen sterben musste.

Forró Em Basel ist ein typischer Baiao im “3+3+2″-unterteilten 8/8-Takt. Dieser Rhythmus, Musik- und Tanzstil entstanden am Anfang des letzten Jahrhunderts in den Bällen “for all” im Nordosten Brasiliens, wo sich Jazz mit lokaler Folklore mischte. Dieser Forró steht wie viele in mixolydischer Tonart. Er gibt den vier Cellistinnen speziell Gelegenheit, ihre virtuosen Qualitäten zu zeigen. Für die Interpretation ist dieser Satz zwar nicht der schwierigste, wird aber mit Sicherheit beim Zuhören am meisten gefallen.

Johann Christian Bach (1734-1782)

Jüngster Sohn des bekannten Johann Sebastian Bach. Von 1756 – 1762 weilte er in Italien und wurde in Mailand Domorganist. Dort wurde er mit dem italienschen Stil und der katholischen Kirchenmusik vertraut. Von 1762 bis zu seinem Tode war er als Kapellmeister der englischen Königin in London tätig. Die beiden Lebensabschnitte verhalfen ihm zu den Beinamen “Mailänder Bach” und “Londoner Bach”. Er hat von den “Bach-Söhnen” den wohl bedeutendsten Einfluss auf Wolfgang Amadé Mozart ausgeübt (abgesehen davon, dass beide bei Padre Martini in Italien studierten). Am 20. November 1776 fand die Uraufführung der Oper Lucio Silla in Mannheim statt (Mozart vertonte denselben Opernstoff 1772!). Bachs Oper vermochte offenbar nicht ganz zu überzeugen und ist heute in Vergessenheit geraten, abgesehen von der Ouvertüre. Diese ist uns in einer Londoner Sammlung mit 5 weiteren Sinfonien (gleichzeitig auch als Ouvertüren bezeichnet) und einem Einzeldruck in Amsterdam erhalten. Die Handschrift, das Original, blieb bis heute verschollen.

Joseph Bodin de Boismortier (1689-1755)

Einer der damals erfolgreichen, populären Vertreter des französischen galanten Stils. 1724 begann er seine Werke selbst zu veröffentlichen. Als flinker, unermüdlicher und vielseitiger Komponist gelang es ihm vorzüglich, den modischen Geschmack seiner Zeit einzufangen. Er versuchte sich mit Erfolg in allen Gattungen und wetteiferte mit den bedeutendsten französischen Künstlern wie J. Ph. Rameau (1683-1764) in der Ballettoper, mit J. C. de Mondonville (1711-1772) in der vokalen Motetten-Kunst und mit L. N. Clérambault (1676-1749) in der weltlichen Kantate. Gewisse Kritiker spotteten über die erstaunliche Leichtigkeit seines Schaffens und seine einmalige Gabe, daraus auch Kapital zu schlagen. Dom Caffiaux berichtet, daß de Boismortier mehr als 50000 Écus aus seinen Kompositionen herausgeschlagen habe, damals ein Riesenvermögen.
Bei seiner viersätzigen Sonate in d-Moll handelt es sich ursprünglich um ein Werk für vier Gamben. In seiner kontrapunktischen Verarbeitung der Motive und dem chromatischen Lamento-Bass im langsamen Satz zeigt de Boismortier, dass er das Komponisten-Handwerk seiner Vorfahren ebenso beherrschte wie den damals neuen modischen, galanten Stil.

Antonio Vivaldi (1678-1741)

…wuchs in Venedig auf, wo er als Geiger an der Kirche San Marco tätig war. Ähnlich wie Leopold Mozart war er Violinlehrer und Komponist. Seine Werke wurden sehr schnell bekannt und wurden auch für andere Instrumente bearbeitet. Johann Gottfried Walther und Johann Sebastian Bach bearbeiteten einige zu Orgelkonzerten. Das Konzert in e-Moll war ursprünglich für 4 Violinen geschrieben und erklingt heute abend in einer Bearbeitung für 4 Solocelli. Das Konzert entstammt dem Opus 3, einer Sammlung mit dem Titel “L’Estro Armonico”, was soviel bedeutet wie “Harmonie der Seele”. Opus 3 enthält insgesamt 12 Konzerte verschiedener Besetzung (3 Konzerte für 4 Violinen, 3 Konzerte für 2 Violinen und 3 Konzerte für Solovioline, immer begleitet durch ein Streichorchester). Der Titel der Sammlung verrät die Vielfalt der Ausdrucksmöglichkeiten, welche verschiedenartige Empfindungen in unserer Seele (Affekt) auslösen soll. Vivaldi erreicht dies nicht nur durch variable Besetzungen, sondern durch Experimentieren mit Formen und Harmonien. Im 4. Konzert dieser Sammlung spielt Vivaldi mit den Anfangstönen des ersten Motivs. Es erklingt in allen Sätzen. Die Solopartien variieren, vorerst im Ensemble, dann in Paarbildungen und schliesslich in virtuosen Einzelsoli. Die deutschen Musiker waren vom italienischen Stil sehr angetan. Es gehörte zur Grundausbildung, in Italien zu studieren. So pilgerten schon Jahre zuvor Heinrich Schütz und Hans Leo Hassler nach Venedig, um bei den Gabrielis die italienische Musizierweise (den alten und neuen Stil!) zu lernen. Auch Leopold Mozart reiste mit seinem Sohn nach Italien, damals nach Bologna an die weltberühmte Accademia Filarmonica von Padre Martini.$

Leopold Mozart (1719-1787)

…war ein angesehener Musiker, Komponist und Pädagoge. Zuletzt wirkte er als Vizekapellmeister am Salzburger Hof. Im Geburtsjahr seines Sohnes Wolfgang Amadé veröffentlichte er eines der bedeutendsten Lehrbücher über das Violinspiel (“Versuch einer gründlichen Violinschule”), welches noch zu seiner Zeit ins Französische und Holländische übersetzt wurde. Dieses Lehrwerk gilt heute als wichtiges Dokument für die Aufführungspraxis des 18. Jahrhunderts. Leopold Mozart komponierte Kammermusik, Vokal- und Orchesterwerke, davon Solokonzerte, Ballett- und Programm-Musiken (“Musikalische Schlittenfahrt”) und Sinfonien. Leider sind noch nicht alle seine Werke ediert, im Gegensatz zu denen seines Sohnes. Die Sinfonie in G-Dur gibt uns Einblick in die Komponierweise, wie sie Amadé von seinem einflussreichsten Musiklehrer, seinem Vater, erlernt hatte. Der erste Satz erinnert uns am meisten an die für unsere Ohren vertraute Musik der Wiener Klassik mit typisch italienischer Prägung. Das filigrane Andante des zweiten Satzes zeigt tänzerische, galante Züge, wie wir sie aus der französischen Musik kennen. Der letzte Satz überzeugt durch Virtuosität und affektgeladene innere Steigerung, indem Vater Mozart das Orchester oft einstimmig (unisono) spielen lässt: Mit vereinfachtem Notensatz erzielt er sogar eine Überhöhung des Ausdrucks. Sohn Wolfgang hat später davon regen Gebrauch machen.

David Popper (1843-1913)

…war ein tschechischer Violoncellist und Komponist.
Er war der Sohn eines Prager Kantors und erhielt seine Ausbildung am Prager Konservatorium, wo er bei dem Hamburger Cellisten Julius Goltermann studierte. 1863 wurde er Mitglied der fürstlich Hechingen’schen Kapelle in Löwenberg in Schlesien. 1867 gab er sein Debut in Wien und wurde 1868 Solocellist an der Wiener Hofoper. Ab 1873 folgten ausgedehnte Konzertreisen. 1896 ließ er sich in Budapest nieder, um am dortigen Konservatorium zu unterrichten, das von Liszt gegründet worden war.

Popper war nicht nur einer der hervorragendsten Virtuosen seiner Zeit, sondern bereicherte auch wesentlich die Literatur für sein Instrument, das Cello, durch eine Anzahl gediegener und ansprechender Kompositionen, darunter vier Konzerte und eine Reihe von Salonstücken. Natürlich hat Poppers Musik mit Mozart nicht mehr viel zu tun. Trotzdem zeigt sich darin, wie sich das klassisch aufgebaute, konzertierende Prinzip bis weit über das 19. Jahrhundert behauptete.

Mit Poppers Polonaise verlassen wir den barocken und klassischen Stil rund um W. A. Mozart und leiten über zur Komposition von Frederico Zimmermann Aranha, welche ausser dem Mozart gewidmeten Mittelsatz, ähnlich wie Poppers Polonaise, auf virtuosen Tanzsätzen aufbaut.

Konzertkritik:

• BZ, 13. Februar 2006

Ort: Kultur- und Sportzentrum (Kuspo), Münchenstein

Solist:

• Andres Talimaa, Klavier

Leitung:

• Raphael Immoos

Programm:

• Grieg: Teile aus Peer-Gynt-Suite I+II
• Grieg: „Hochzeit auf Troldhaugen“ (aus Lyrische Suite op. 65, Nr. 6)
• Grieg: Klavierkonzert a-Moll op. 16
• Grieg: Jazzimprovisationen
• Strawinsky: Four Norwegian Moods

Andres Talimaa:

Andres Talimaa wurde 1967 in Vilnius/Litauen geboren. 1974 bis 1985 besuchte er dort das M.K. Ciurlionio-Kunstgymnasium. 1985 bis 1989 studierte er Klavier bei Muza Rubackyte und Eduard Oganessian am Litauischen Konservatorium in Vilnius. Nach einem erzwungenen Unterbruch infolge Militärdienstes in der Sowjetarmee nahm er 1990 das Studium in der Konzertklasse von R. Buchbinder an der Musikakademie Basel wieder auf, wo er 1994 das Konzertdiplom mit Auszeichnung erwarb.

1981 erhielt er den dritten Preis beim Jugendmusikwettbewerb “Virtuosi per musica di pianoforte” in der Tschechoslowakei, 1983 gewann er den ersten Preis beim Litauischen Klavierwettbewerb. 1991 Preisträger beim Strassburger Wettbewerb “Jeunesse joue Mozart” und beim “Rahn-Musikpreis” in Zürich.

Andres Talimaa trat als Solist in Orchesterkonzerten in St. Petersburg, Kaunas und Vilnius auf. Es folgten Radio- und Fernsehaufnahmen in Vilnius und Basel, solistische Auftritte mit dem Basler Sinfonieorchester, dem Litauischen National-Sinfonieorchester und dem Litauischen Kammerorchester sowie Solokonzerte in Basel, Zürich, München, Vilnius, Moskau und Paris.

Ort: Podium Düdingen FR

Cäcilienchöre Deutschfreiburgs, Leitung: Peter Thoos

Solisten:

• Daniela Immoos (Sopran)
• Will Wood (Bariton)
• Jakob Pilgram (Tenor)

Leitung:

• Raphael Immoos

Programm:

• Grieg: Peer-Gynt-Suite I+II
• Orff: Carmina Burana

Konzertvorschau:

• Freiburger Nachrichten, 15. September 2005

Konzertkritik:

• Freiburger Nachrichten, 4. Oktober 2005